Se trata de un CD publicado por el sello Brilliant Classics que contiene las obras completas para clave del compositor francés Pancrace Royer (1705-1755).

Yago Mahúgo es uno de los intérpretes de música antigua más destacados del panorama musical en España.

Ha sido galardonado en el 35. Concurso Internacional de Clave de Budapest y el 13. Concurso de Clave de Brujas (Bélgica), considerado el concurso más importante de Música Antigua.

Discípulo del profesor Dr. Robert Hill, bajo cuya tutela obtuvo la Licenciatura de Profesor de Instrumentos Históricos de Teclado (Clave, Fortepiano y Órgano) y las Licenciaturas de Formación Artística (posgraduado) en las asignaturas de Clave y Fortepiano en Freiburg, Yago Mahúgo también ha estudiado con maestros de la talla de Christophe Rousset, Kenneth Gilbert, o con Jacques Ogg en el Conservatorio de La Haya.

Sus actuaciones se reparten por las más prestigiosas salas de Europa y EE.UU. destacando conciertos como solista con la Orquesta de Duisburg (Alemania) bajo la dirección de Peter Baberkoff, y con la Orquesta de Cámara “Ferenc Erkel” de Budapest, así como con la orquesta de música contemporánea ‘Proyecto Gerhard’.

En el 2008 Yago Mahúgo fue invitado por el Palau de les Arts de Valencia y la Orquesta de la Comunidad Valenciana a participar como clavecinista en la ópera de Gluck “Iphigenie en Tauride” junto al tenor Plácido Domingo y director Patrick Fourniellier.

Ha actuado como solista en diversos escenarios como el Palacio de Festivales de Santander y el Auditorio Nacional de Madrid, con el “Concierto para Clave” de Manuel de Falla. Así mismo es invitado a participar regularmente en Festivales destacando su participación en la Expo 98 de Lisboa, en el Festival Bach-Fest de Leipzig en 1999 y en el 50º Festival Internacional de Música y Danza de Granada donde obtuvo un gran éxito de crítica y público.

Ha grabado para las televisiones y radios estatales de España, Hungría y República Checa (RNE, TVE, Bártok Radio, MTV) y ha publicado el primer CD de la obra integral para piano de Domenico Cimarosa patrocinado por el Rotary International Club de Aversa-Terra Normanna.

Su grabación en clave de la obra completa del compositor francés Pancrace Royer está disponible en Onclassical.y en formato CD en Brilliant Classics, obteniendo fantásticas críticas de la prensa especializada: ha sido disco excepcional del mes por la revista Scherzo.

Actualmente es clavecinista de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y del Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid.

Pancrace Royer (1705 – 1755)
Complete Harpsichord Works
Yago Mahugo, harpsichord

La Majestueuse
La Zaïde
Les Matelots
Tambourin
L’Incertaine
L’Aimable
La Bagatelle
Suite de la Bagatelle
La Rémouleuse
Les Tendres Sentiments
Le Vertigo
Allemande
La Sensible
La Marche des Scythes
Bonus. La Chasse de Zaïde

Más información en su Web oficial

El domingo 19 de mayo a las 19.00h, Capella de Ministrers cuenta con una nueva cita internacional en Marienmünster (en la región de Höxter, la zona más oriental de Nordrhein-Westfalen) para participar al Festival Wege Durch Das Land.

En la preciosa abadía de la ciudad, el grupo liderado por Carles Magraner propondrá al público alemán “Atlanticus”, un sugerente viaje musical por ambas orillas del Atlántico, a través de algunos de los cancioneros musicales más importantes de la época como Oaxaca (Mexico) y Palacio (España).

Obras de compositores como Padilla, Zéspedes, Juan del Encina o Bocanegra, para poner de manifiesto la importancia de una época, los siglos XV y XVI, que indudablemente supuso un nuevo punto de partida para la historia de la humanidad, con el magno océano Atlántico como telón de fondo.

El concierto está complementado con las intervenciones del filósofo y ensayista Eduardo Subirats y el actor alemán Ulrich Noethen.

El Festival, que se realiza desde mayo a agosto en los más importantes escenarios históricos del país, cuenta con 26 jornadas en las que conjugan literatura y arquitectura con los grupos de música antigua más destacados del panorama internacional.

El “descubrimiento” de America en 1492, tras el periplo transoceánico de Cristóbal Colón, posibilitaría el hermanamiento cultural entre dos territorios separados por las aguas atlánticas pero cuya voluntad y espíritu generó una corriente de influencias mutuas que no hizo sino enriquecer y consolidar la cultura en sus distintas manifestaciones a ambos lados del océano.

Padilla o Zéspedes son sólo algunos de los nombres que plasmaron estas influencias en muchas de sus composiciones recogidas en cancioneros musicales como Oaxaca (México) o que posibilitaron incluso la exportación de géneros musicales propios del continente americano como las negritas, cuya popularidad en España fue en aumento progresivo.

Y como no podía ser de otra manera. El desembarco de gran cantidad de músicos españoles en tierras americanas supuso para el “nuevo” continente la oportunidad de conocer la música que en aquellos tiempos llenaba las calles, salones e iglesias españolas.

Capella de Ministrers cuenta con las voces de: Carmen Bou, soprano, José Hernández Pastor, alto, Miguel Bernal, tenor y Jordi Ricart, barítono; y los instrumentistas: David Antich, flautas, Carles Magraner, vihuela de arco, Ignasi Jordà, clave y Pau Ballester, percusión.

¿Cuántos se apuntarían a un concierto de clave? ¿No lo harías? ¿Por qué? ¿Seguro que no tienes prejuicios? ¿Qué te enseñaron en la escuela sobre este instrumento? Quizás si fuera de piano no hubieras dudado en contestar afirmativamente a esta pregunta.

Pues bien, si dijeras que no, te perderías conciertos tan maravillosos como el que ayer dio el británico clavecinista Trevor Pinnock en el Auditorio Nacional. ¡Bravo!, ¡bravo!, gritaban con admiración desde la tribuna de la Sala de Cámara con entradas agotadas.

“Yo creo que el interés por la música antigua (toda la anterior al clasicismo) está comenzando”, afirmaba el músico recién llegado a Madrid. “Creo que en el presente estamos en el camino correcto, aunque en la enseñanza de este tipo de música hay buenos profesores que hacen grandes presentaciones, aunque a veces otros hacen que todo se vuelva aburrido y nada interesante”.

Hablar de Trevor Pinnock (Canterbury, 1946) consiste precisamente en eso, en hablar de música antigua. Después de pasar unos minutos con el músico inglés y una hora y media con su música es casi imposible que ésta no resulte sutil, delicada, brillante, dialogante, virtuosa y francamente asombrosa.

“Siempre me encantó la música barroca. Vino a mí de forma muy natural pero, por supuesto, me gustan todos los estilos y épocas musicales. Para mí es como si estuviera compuesta esta mañana”, relata el clavecinista.

Fundador de The English Concert

Trevor Pinnock puso en marcha el exitoso grupo de cámara The English Concert en 1973 y lo condujo durante 30 años. “Fueron unos 30 años maravillosos, un trabajo muy emocionante”.

Sin embargo, confiesa que lo dejó porque después de tanto tiempo quería hacer otras cosas: “Sabía que tenía que empezar una nueva etapa para explorarme a mí mismo y que ya era tiempo más que suficiente.

Cuando sabes eso es mejor dejarlo y explorar otros sentimientos”.

Justo en esos inicios, en la época de Franco, fue cuando Pinnock pisó España por primera vez. Desde entonces no ha dejado de hacerlo y reconoce que disfruta mucho de nuestro país porque la gente le recibe maravillosamente y siempre aprecian su música: “No todo el mundo sabe sobre ella, pero la respuesta siempre es buena”.

El fin de esta etapa dio paso a una más personal en la que ha crecido aún más como intérprete según palabras de toda la crítica mundial.

Sin embargo, un Pinnock modesto se limita a decir que lo cierto es que experimenta continuamente y que todo eso hace que se sienta joven por dentro a pesar de que su cuerpo sea viejo ya. “Nunca me siento cansado en esencia”.

200 años por varios países en hora y media. El programa que interpretó, y que repite en el auditorio de la ciudad de León, es un programa muy especial.

Empieza con obras de Antonio de Cabezón, quien viajó con el Príncipe Felipe desde España a Italia, los Países Bajos e Inglaterra.

“Es fascinante pensar lo que este hombre encontró durante estos viajes.

Así, cuando fue a Inglaterra conoció un día al famoso compositor Thomas Tallis y probablememte al joven y brillante William Byrd, y por eso he decidido empezar estos conciertos justamente en este orden”, afirma el intérprete.

Pinnock continúa con John Bull, “un compositor inglés que vivió al final de sus días en los Países Bajos y conoció a Sweelinck, que se relaciona directamente con Bach”. Luego toca algo de Frescobaldi, “del que Bach tomó muchas partituras”, matiza.

“Además pienso que hay una gran conexión entre Bach y Händel y de hecho, Bach siempre quiso conocer a su compatriota.

También hay una conexión entre Händel y Scarlatti.

Él viene a España y la música española callejera le influye en gran manera, tanto que se nota especialmente en su sonatas”, resume.

Después de Scarlatti se cierra el círculo con obras del Padre Soler, que toma el estilo precisamente del anterior.

Y así, nota a nota, Pinnock aúna conexiones físicas e imaginarias y el contraste de la música, los pensamientos y las culturas.

“Podría elegir muchas obras de Bach. La que he escogido para esta noche es un buen ejemplo de su brillante composición.

Es un tipo de música con el que la gente disfruta.

Las Suites Francesas para el público general, para la gente que no conoce mucho de música, están muy bien porque también les satisfacen.

Combinan una gran disciplina y composición y una música amigable, muchos sonidos y maravillosas danzas en los movimientos lentos”.

¿Y tocar las obras de clave en un piano?

A menudo los puristas recuerdan la necesidad de tocar la música de la época con los instrumentos de la época.

“Está muy bien si los pianistas también conocen el sonido del clave, pero al final cuando ellos tocan el piano debe ser música para piano y cuando se toca el clave debe ser música para clave con todo el colorido que desprenden”, opina el británico.

Sin embargo, es bastante más abierto y aunque reconoce que “no es lo mismo tocar en un piano que en un clave” reconoce que “los diferentes instrumentos aportan diferentes colores a la música”.

Si sigue sin convencerte lo de la música antigua quizás sólo baste con pararse a escuchar, y parece que Pinnock es de la misma opinión. “La gente que va por primera vez a escuchar este tipo de música no pueden sentir algunas cosas si no las entienden. Lo que sí pueden es sentir sensaciones y luego si lo encuentran interesante empezar a aprender algunos aspectos y a medida que van aprendiendo su disfrute irá creciendo”.

Sobre el clave, mejor olvidar los prejuicios: “En cualquier instrumento que usemos está el poder de la música así que éste no es lo más importante, la música en sí misma es lo que cuenta y hay muchas maneras diferentes de contarla”.

Fuente: noticias.lainformacion.com

Desde la investigación musicológica en numerosas bibliotecas de América Latina y Europa hasta la interpretación concertística en los escenarios, su labor ha consistido en profundizar y difundir un repertorio musical específico desde el estudio de su microhistoria, a partir de fuentes tratadísticas y documentos que desvelan poco a poco la riqueza estética de su interpretación.

Ha ejecutado en diversas ciudades de México, Argentina, Chile, España, Francia, Alemania, Bélgica, Polonia, Inglaterra y China.

Divina Mysteria plantea un hermenéutico acercamiento a la música occidental de los siglos XVII y XVIII, que emerge de los códigos estilísticos de su época, para entrelazarse con el atento escucha contemporáneo.

Pavel Amilcar, violín
Inicia sus estudios violinísticos en la Ciudad de México, su ciudad natal, en el Conservatorio Nacional de Música. Motivado por la interpretación con criterios históricos, reside en Polonia para estudiar violín barroco con Agata Sapiecha y Agnieska Riklych.

Más tarde se traslada a la ciudad de Barcelona para estudiar en la Escola Superior de Música de Catalunya, donde se titula bajo la cátedra de Manfredo Kraemer y Pablo Valetti.

Ha recibido cursos magistrales con destacados profesores como Simon Standage, Lucy van Dael, Margaret Faultless, Hiro Kurosaki y Amandine Beyer.

Ha participado profesionalmente con directores de renombre como Jordi Savall (Le concert des Nations), Gabriel Garrido (Ensamble Elyma), William Christie, Eduardo LópezBanzo (Al Ayre Español) y Pierre Hantaï (Le Concert Français).

Ha tenido la oportunidad de tocar en diversas salas de Europa y América así como grabar bajo casas discográficas como Alia Vox, Mirare, Vanitas y Harmonia Mundi.

Actúa con diferentes ensambles como La Reverencia, Vespres D’Arnadí, Les Neveux de Rameau, Chiome d’Oro y Divina Mysteria.

Le es otorgada la beca de Intérpretes del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México en su emisión 2006-2007.

Finaliza en 2011, sus estudios de Maestría en la Escola Superior de Música de Catalunya bajo la tutoría de Manfredo Kraemer.

Imparte la cátedra de violín barroco en el Curso de Música del Vallée de la Bresle, Francia.

Thor Jorgen, viola da gamba
Nace en México donde inicia sus estudios de violoncello a los cinco años en el Conservatorio Nacional de Música de México. Participa en cursos magistrales de violoncello y viola da gamba con Stefan Popov, Wieland Kuijken, Paolo Pandolfo, Sophie Watillon, Philippe Pierlot y Jordi Savall.

Concluye sus estudios de viola da gamba en la Escola Superior de Música de Catalunya.

Es miembro de la Viola da Gamba Society de Inglaterra.

Ha sido dirigido y recibido instrucción en conjuntos de cámara por especialistas en la interpretación de música antigua como: Manfredo Kraemer, Pedro Esteban, Lucy van Dael, Japp ter Linden, Enrico Gatti, Pedro Memelsdorf, Rolf Lislevand, Marc Hantaï, Monserrat Figueras y Jordi Savall.

Finaliza en 2011, sus estudios de Maestría en la Escola Superior de Música de Catalunya bajo la tutoría de Emmanuel Balsa.

Ha interpretado numerosos conciertos y presentaciones por Europa y América en catedrales, teatros y salas de concierto, donde ha demostrado su compromiso y pasión por los instrumentos antiguos de arco, donde ocupa el sitio especial, la viola da gamba.

Más información

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Tel: +34 680 26 61 83 – +34 606 58 10 94

Sin embargo, la incorporación de una parte musical no como elemento accesorio de una pieza teatral sino como factor esencial de la dinámica escénica es un suceso propio de la cultura europea que comienza en Florencia en torno al año 1600 y que cristaliza por vez primera en la Eurídice, de Jacopo Peri.

Éste y otros autores, pretendiendo resucitar el drama musical griego, crearon un nuevo género que en principio se llamó “dramma in música”, después “ópera in música”, y por último y para simplificar simplemente “ópera“.

Las principales naciones no tardaron en importar el nuevo género, modificándolo en función de sus características particulares, surgiendo así el singspiel alemán, la ópera balada inglesa, la ópera francesa y la zarzuela española.

Obertura de la zarzuela barroca:
“Iphigenia en Tracia” (1747)

José de Nebra (1702-1768)

Intérpretes: Los Músicos de Su Alteza

Director: Luis Antonio González.

[LA ZARZUELA BARROCA]

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros…) y partes habladas.

Su nombre procede del Palacio de la Zarzuela, nombre del pabellón de caza, rodeado de zarzas, y cercano a Madrid donde se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género en el siglo XVII para la corte española.

La música de las primeras zarzuelas se ha perdido, si bien conocemos muchos de sus títulos y los nombres de los autores. Destacan “El jardín de Falerina” con música de Juan Hidalgo y libreto de Calderón de la Barca, el más importante autor de zarzuelas de la época.

La primera zarzuela de la que se conserva suficiente música como para tener una idea clara de cómo era el género en el siglo XVII fue “Los celos hacen estrellas” de Juan Hidalgo sobre un texto de Juan Vélez de Guevara, obra interpretada en 1672.

Entre los compositores de este género podemos citar, entre otros, a Juan Hidalgo (1600 – 1685), Sebastián Durón (1660 – 1716), Antonio de Literes (1673 – 1747) y José de Nebra (1702 – 1768).

Éstos recurren a los textos de nuestros grandes dramaturgos como Calderón de la Barca o Lope de Vega, para ponerles música.

Escribe John Walter Hill (“La Música Barroca. Música en Europa Occidental, 1580-1750″, 2005): “Aunque tiene sus orígenes en prácticas teatrales anteriores, se puede afirmar que la zarzuela fue un nuevo género de teatro musical español desarrollado por Calderón de la Barca.

Sus primeras zarzuelas, “El laurel de Apolo” y “El golfo de las sirenas”, ambas escritas en 1657, combinan tipos de música familiares y diálogos hablados en un formato en dos actos con una trama sencilla y una puesta en escena rústica o pastoril idealizada, lenguaje corriente y un tono más cómico que el de las óperas. [...]

Con las muertes de Calderón (1681) e Hidalgo (1684), la era del teatro musical específicamente español da lugar a un periodo de transición en el que las formas autóctonas de canciones se mezclan con elementos italianos, tales como el recitativo, las arias da capo, la ornamentación floreada, los melismas largos y los ‘ritornelli’ orquetasles. [...]

El verdadero aluvión de influencia italiana en España tuvo lugar con la subida al trono de Felipe V (nieto de Luis XIV, y primer rey de la dinastía francesa de los Borbones en España, de tan infausto recuerdo para la música española).

Esta irrupción no tuvo nada que ver con la educación francesa de Felipe.

La música francesa había sido rechazada por la corte española cuando en, en 1679, María Luisa de Orleans, esposa de Carlos II, el último de los Habsburgo españoles, trajo treinta y ocho músicos y un diseñador de escena y libretista a Madrid en un intento inútil de introducir la ópera francesa en España.

En cambio, esta oleada italiana tuvo que ver con la influencia de la primera esposa italiana de Felipe V, María Luisa Gabriela de Saboya, y de su segunda mujer, Isabel de Farnesio, con quien contrajo matrimonio en 1714.”

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Sebastián Durón: Salir el Amor del Mundo (1696) / Zarzuela completa
SEBASTIÁN DURÓN [1660 - 1716]

SALIR EL AMOR DEL MUNDO
Libreto: José de Cañizares
Zarzuela en dos Actos
Madrid, 1696

I. Seguidillas – 0:05 – [José de Nebra Blasco (1672 - 1748)]
II. Muera Cupido [Musica] – 1:36
III. Dorada luxiente esfera [Diana, Musica] – 2:38
IV. Y ya que en la selba [Apolo, Jove, Marte] – 5:22
V. Qué importa que airada [Musica, Zagala] – 7:03
VI. Sosieguen descansen [Amor] – 8:39
VII. Descansen el Amor [Morfeo] – 15:21
VIII. Del Amor los arpones rompa mi seño [Diana, Apolo, Marte, Jove] – 18:13
IX. Qué horror [Amor] – 20:15
X. Huye, huye, cobarde [Diana, Amor, Musica] – 23:00
XI. De cuantos yerros forjó [Musica] – 24:05
XII. Temores, qué ruido es este [Amor] – 25:32
XIII. Pues vibre la cuerda [Jove] – 28:21
XIV. Dónde vas, cobarde [Marte, Amor] – 29:49
XV. Eso no cobarde [Apolo] – 32:19
XVI. Ay de mí [Amor] – 34:27
XVII. En el cóncavo profundo [Musica] – 37:02

El Mundo / Richard Savino (Director) (http://www.richardsavino.net/)

“Salir el Amor del Mundo” posiblemente se estrenó el 6 de noviembre de 1696 para celebrar la mejoría y el cumpleaños de Carlos II y dar además por terminado el luto oficial por la muerte de Mariana de Austria, en lo que a representaciones teatrales se refiere.

Lo más viable es que hubiera sido representada en algún jardín de palacio.

El argumento son las peripecias desarrolladas en la captura del Amor hasta conseguir encerrarlo en una gruta. No es fácil encontrar a lo largo del texto alusiones políticas, ni establecer un criterio moralizante en este argumento.

Más bien parece tratarse de una Fiesta palaciega de argumento intranscendente a la vez que atractivo y en el que predomina lo musical sobre o visual, aunque es cierto que refleja un mundo irreal muy alejado de la España decadente de finales del siglo XVII.

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Tempestad grande amigo (Fandango) de la zarzuela “Vendado es amor, no es ciego” – José de Nebra (1702 – 1768)

VENDADO ES AMOR, NO ES CIEGO [zarzuela]
Libreto: José de Cañizares y Suárez
Madrid, 1744

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Apenas comenzado el siglo XVII España sintoniza la onda de música escénica procedente de Italia.

En 1629 están datadas las primeras óperas españolas: “La selva sin amor” es la primera ópera producida en España (texto de Lope de Vega y música de Filipo Piccinini).

La ópera más destacada del momento fue “Celos aún del aire matan”, sobre textos de Calderón y música de Juan Hidalgo.

La nueva modalidad escénica adoptará pronto el nombre de su campo de operaciones: palacio de la Zarzuela.

En tiempo de Felipe IV, concretamente en 1636, se inauguraron las llamadas “fiestas de la zarzuela”, que tenían lugar en de El Pardo, en un lugar en que había abundancia de zarzas y otros arbustos.

Las piezas escénicas que allí se representaban, muy similares a las primeras manifestaciones operísticas, al no haberse aún incorporado al vocabulario musical el término ópera, de nuevo cuño, acabaron por ser distinguidas por el topónimo del sitio en el que se representaban. La zarzuela acababa de nacer.

A comienzos del siglo XVIII Felipe V desarrollará una política musical basada en la importación de lo italiano. Esto acabará muy pronto con las personales aportaciones de España al arte lírico, hundiendo por algo más de un siglo la creación netamente nacional.

En 1703, la llegada a Madrid de la primera compañía de ópera italiana determinaría un cambio en los gustos cortesanos que se orientaron con total preferencia hacia las producciones, escénicas o no, procedentes de aquel país.

En 1728 se establece en la corte Domenico Scarlatti. En 1737, Carlo Broschi (el célebre ‘castrasti’ Farinelli, que venía para unos meses y acabó viviendo en España veinticinco años) se instala en palacio y se erige en supremo dictador de los gustos musicales cortesanos.

Finalmente es llamado a la capital Luigi Bocherini, con lo que se onsolidan los gustos italianos de la corte.

No sólo la música no era de inspiración española, sino que los textos en que se apoyaba eran en su totalidad producto de la importación. El castellano desapareció prácticamente como lengua del universo lírico.

La primitiva zarzuela había sucumbido ante el alud provocado por los nuevos vientos líricos que soplaban desde Italia.

Pero no todo estaba perdido. Si la vida oficial se había italianizado, despegándose de la tradición, ésta no tardaría en reaparecer en aquellos ámbitos opuestos al arte oficial: el ambiente popular y callejero, la taberna, el café, etc. serán los escenarios de unas manifestaciones elementales que, con el correr del tiempo, se constituirían en factores esenciales del resurgimiento de la zarzuela en el siglo XIX. Nos estamos refiriendo especialmente a la ‘tonadilla escénica” .

Especialmente importante desde este punto de vista es el desdoblamiento en dos (o en más) del personaje que interpretaba la tonadilla, puesto que ello provocaba el diálogo y con ello la creación de una rudimentaria acción dramática que, al recibir nuevos ingredientes (decorados, libreto con mayor unidad dramática, etc.) no tardaría en cristalizar en un nuevo género popular y castizo. Con ello asistimos al renacimiento de la zarzuela.

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Acis dichoso (recitativo-aria) de la zarzuela barroca “Acis y Galatea” – Antonio de Literes (1673-1747)

Intérpretes: Al Ayre español – Director: Edurado López Banzo
- Marta Almajano, (Soprano)

LETRA

Recitativo:

Azis dichoso; Ya desvanecido
el decreto del ado
tanta felicidad has conseguido
que el dia mas del orbe celebrado
ya fabula ó ya historia
es aplauso el plazer de tanta gloria.

Aria:

Si el triunfo que ama
veloz la fama
con bronze aclama
pues le posee, gorjee.
Que de la España
la mayor gloria
será la azaña
de su memoria
quando en Philipo
su aliento emplee
gorjee.

La zarzuela barroca “Acis y Galatea” del músico Antonio de Literes y del dramaturgo José de Cañizares, ambos autores de gran éxito en la España del siglo XVIII, fue compuesto como pieza celebrativa del cumpleaños regio de Felipe V, el 19 de diciembre de 1708.

Justo en este aria que escuchamos es donde ensalza las virtudes del monarca.

La fábula de la ninfa marina Galatea, de sus amores con el bello pastor Acis, de los desesperados celos que este idilio provocara en el cíclope Polifemo, forman el meollo de “Acis y Galatea”.

La historia, que se desarrolla en una Sicilia telúrica y desmesurada, escenario idealizado de abrasadores fuegos volcánicos, de tórridas y humanas pasiones, tuvo, como es sabido, una singular fortuna en la música.

Su ambiente mitológico-pastoral, enmarcado por un maravilloso mar habitado por tritones y nereidas, reflejo simétrico en las profundidades marinas del aéreo olimpo de los dioses gentiles, cumplía a la perfección las condiciones para que estuviera presente en el imaginario escénico y musical europeo durante mucho tiempo.

Antonio de Literes (1673 – 1747), compositor español, tañedor de violón y viola da gamba en la Capilla Real de Madrid desde 1693, brillante compositor de zarzuelas, óperas y música sacra, es el mas digno sucesor de Sebastián Durón, respetado por sus colegas, tuvo gran fama en su época. En el inventario que se realizó en el momento de su muerte, se incluyen entre sus posesiones un Stradivarius fabricado en Cremona.

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Enlaces:

http://depmusica.wikispaces.com/file/view/TEMA+12+LA+ZARZUELA.pdf

http://es.wikipedia.org/wiki/Zarzuela

http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Hidalgo

http://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_de_Literes

http://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_de_Nebra

http://es.wikipedia.org/wiki/Sebasti%C3%A1n_Dur%C3%B3n

http://www.march.es/musica/publicaciones/semblanzas/pdf/duron.pdf

Escrito por Camilo López García

Este propuesta combina métodos de trabajo en educación coral llevados a cabo por profesores británicos y americanos de renombrado prestigio en el campo músical, habiendo participado en coros tan emblemáticos como el King’s College de Cambridge el Coro de Monteverdi o The Sixteen.

A través de una amplia variedad de actividades, este curso persigue ayudarte a mejorar tu técnica vocal, la habilidad de lectura, el conocimiento musical y tu confianza personal. Para todo lo anterior el curso propone los siguientes contenidos:

Selección y representación de trabajos par coro completo de música coral española sacra y secular desde los siglos XII al XXI; de igual forma, realizaremos trabajos en grupos más pequeños para la música consorte.

Sesiones individualizadas y grupales de entrenamiento coral a través de las cuales se proponen ejercicios de canto ante audiencia y desarrollo de técnicas de representación vocal.

Para los interesados en la dirección coral desarrollaremos sesiones de lectura que contribuyan a ampliar el conocimiento de repertorio a nivel mundial, además de sesiones individualizadas en dirección de coros así como prácticas avanzadas que nos ayuden a mejorar el estilo en la práctica de la dirección.

Además de todo lo anterior, este curso será una oportunidad única para introducirnos y aprender más sobre la música y la cultura coral española, a través de los mejores y más representativos de sus escenarios.

De este modo, visitaremos ciudades como Madrid, Ávila o Toledo, donde no sólo disfrutaremos de la historia que encierran sus muros sino que reviviremos la música objeto de estudio que una vez resonó entre los mismos.

El curso tendrá lugar en el magnífico Campus GSD Buitrago, situado en la localidad de Buitrago de Lozoya, una singular población medieval situada en la sierra norte de Madrid.

Los participantes se sentirán como en casa gracias a la calidad de las instalaciones y servicios ofrecidos, así como por la posibilidad de entablar contacto directo con la villa de Buitrago, a través de los paseos por sus calles y el contacto personal con las gentes que lo habitan.

El Campus Internacional GSD en Buitrago de Lozoya, situado a menos de una hora del centro de Madrid, resulta un espacio idóneo para el desarrollo de encuentros empresariales y culturales por sus especiales características y equipamiento, que favorecen la necesaria tranquilidad para integrar valores, intercambiar experiencias y compartir conocimiento.

En un ambiente que integra el mundo empresarial con el de la formación, el Campus GSD dispone de los medios necesarios para la realización de cualquier tipo de encuentro colectivo.

Como complemento sustancial, las jornadas estarán acompañadas de una excelente oferta de hostelería y gastronomía del propio Centro, cercano a lugares de interés cultural y turístico en plena sierra madrileña.

Toda la información en la web oficial: Intchoralcourse.com

We take great pleasure in presenting the inaugural INTERNATIONAL SPANISH CHORAL COURSE.

The course will be held on the modern Campus of the prestigious GSD Buitrago, located in Buitrago de Lozoya, a medieval town set in the Sierra Madrileña, in greater Madrid. Participants will enjoy modern, full residential facilities as well as the opportunity to be in daily contact with the villagers and the stunning history surrounding the walls of this ancient town.

En esta ocasión acompañado por el prestigioso ensemble instrumental el Collegium Marianum de Praga, el grupo madrileño interpretará tres de las cantatas más peculiares del Kantor de Leipzig en un concierto enmarcado dentro del programa CIRCULO BACH del CIRCULO DE BELLAS ARTES.

Si durante los últimos ocho años La Capilla Real de Madrid se dedicó a llevar a las iglesias de la capital española las 220 obras religiosas de Bach en su “Ciclo de Cantatas”, una hazaña que consiguió completar en diciembre del pasado año, en esta ocasión el conjunto recupera tres de esas piezas para un concierto en el que destaca una suerte de “alianza” entre los músicos europeos.

Se trata de una línea de colaboración impulsada por el CIRCULO BACH y apoyada por instituciones como el Centro Checo, el Foro Cultural Austria-Madrid, la Embajada de Francia, la Fundación Goethe, el Instituto Goethe, Telefónica, el Grupo Santander y el Deutsche Bank, que propone estimular la participación y cooperación de músicos, intérpretes y grupos de todo el continente.
Bajo el nombre de LE TOMBEAU BAROQUE, el concierto de los días 25 y 26 de mayo abordará las cantatas BWV 106, 107 y 198, tres piezas elegíacas en las que Bach, siguiendo la tradición luterana, celebra el encuentro con Dios y con la paz eterna del fallecido.

En este sentido, destaca la utilización de instrumentos poco habituales como la viola da gamba y la flauta de pico, cuyos sonidos dulces y tersos invitan a convertir la tristeza en júbilo y la angustia en serenidad.

Se encargará de darle este color a las piezas el ensemble Collegium Marianum de Praga, una de las orquestas europeas más destacadas del panorama actual que desde su fundación en 1997 se ha centrado en la interpretación de la música de los siglos XVII y XVIII.

Galardonado en 2010 por el Consejo Internacional de Música de la UNESCO, el grupo se ha distinguido por ofrecer, además de actuaciones musicales, varios proyectos escénicos en los que se incluye la danza y el teatro barroco.

Ahondando en este afán de colaboración con alguno de los intérpretes europeos más prestigiosos de la música antigua que caracteriza al CIRCULO BACH, La Capilla Real de Madrid contará con la participación de la solista austríaca Margot Oizintger, joven mezzosoprano que ha cantado en alguno de los festivales internacionales más importantes de los últimos años y que en 2008 fue galardonada con el primer premio del concurso Internacional Johann Sebastian Bach en Leipzig.

Además de los conciertos, que tendrán lugar en el salón de baile del CIRCULO DE BELLAS ARTES, el mismo programa de LE TOMBEAU BAROQUE será adaptado al público infantil para el ciclo BACH EN FAMILIA, una actividad del CIRCULO BACH que propondrá a los niños una nueva forma de acercarse a la música del Maestro de Leipzig.

En la mañana del domingo 26 de mayo se celebrará el concierto “¿Ha dicho usted Cantata?” con una selección de los momentos más importantes del recital de ese fin de semana y en el que los más pequeños estarán invitados a divertirse, bailar, curiosear y cantar una música y unos instrumentos que en muchos casos les resultarán nuevos y sorprendentes.

Más información:
www.circulobach.com
CirculoBellasArtes.com

Contacto:
Shaní G. Matusevich
Responsable de Prensa y Comunicación
Teléfono: 666 15 75 96
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Arancha Benito Jefa de Prensa
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
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Tras triunfar en la Fundación Gulbenkian de Lisboa el pasado domingo, el conjunto sevillano dirigido por Fahmi Alqhai comienza una gira que llevará la música de su nuevo CD, Rediscovering Spain, a Gante (Bélgica) hoy miércoles 15 de mayo, al mítico Konzerthaus de Viena mañana día 16, y a las Tage Alter Musik de Ratisbona, en Alemania, el sábado 18 de mayo.

Rediscovering Spain plantea una innovadora mirada a la improvisación en la España del 1600, en un disco coproducido por Alqhai&Alqhai y Glossa, una de las más prestigiosas discográficas de música clásica a nivel mundial.

Rediscovering Spain – Fantasías, diferencias y glosas va más allá de las tradicionales interpretaciones historicistas de la música renacentista y del primer Barroco español; los músicos de Accademia del Piacere no se limitan a una lectura de los manuscritos de la época, sino que recuperan el alma de la improvisación, la verdadera forma de expresarse de los músicos españoles del Siglo de Oro: las mejores glosas de Cabezón, Ortiz y Selma se combinan con improvisaciones de los propios músicos de Accademia sobre obras de los sevillanos Cristóbal de Morales y Pedro Guerrero, y con danzas como jácaras, marionas o canarios repentizadas como músicos de hoy a la manera de entonces, añadiendo nuevas melodías a las originales según su propia personalidad artística.

Para esta nueva aventura, grabada en los estudios sevillanos Sputnik, el violagambista Fahmi Alqhai ha contado con improvisadores del mundo de la música histórica del talento del guitarrista Enrique Solinís, el percusionista Pedro Estevan, el clavecinista Alberto Martínez Molina o los también sevillanos Rami Alqhai, Miguel Rincón y Javier Núñez.

El nuevo CD, coproducido por Alqhai&Alqhai y el prestigioso sello Glossa, es lanzado simultáneamente en treinta países coicidiendo con la nueva gira de Accademia del Piacere en este mes de mayo, en la que lleva el programa del disco al ciclo Originalklang del Konzerthaus de Viena (donde comparte un selecto cartel con Gardiner, Herreweghe e Il Giardino Armonico), a De Bijloke de Gante, en Bélgica, y a uno de los festivales de música histórica de más solera del continente, las Jornadas de Música Antigua de Ratisbona, en Alemania.

Accademia del Piacere continúa además girando su Las idas y las vueltas, Giraldillo a la Mejor Música de la Bienal de Flamenco 2012, con recientes citas junto al cantaor Arcángel en el Festival Internacional de Úbeda y la Fundación Gulbenkian de Lisboa, y próximas en el Festival de la Guitarra de Córdoba y el de Música Antigua de Málaga, entre otros.

El CD será presentado durante una gira europea en la que Accademia del Piacere actuará en el Konzerthaus de Viena, sala emblemática de la música culta europea, además de en el prestigioso festival De Bijloke (Gante, Bélgica) y las Jornadas de Música Antigua de Ratisbona, en Alemania.

Rediscovering Spain – Fantasías, diferencias y glosas va más allá de las tradicionales interpretaciones historicistas de la música renacentista y del primer Barroco español; los músicos de Accademia del Piacere no se limitan a una lectura de los manuscritos de la época, sino que recuperan el alma de la improvisación, la verdadera forma de expresarse de los músicos españoles del Siglo de Oro: las mejores glosas de Cabezón, Ortiz y Selma se combinan con improvisaciones de los propios músicos de Accademia sobre obras de los sevillanos Cristóbal de Morales y Pedro Guerrero, y con danzas como jácaras, marionas o canarios repentizadas como músicos de hoy a la manera de entonces, añadiendo nuevas melodías a las originales según su propia personalidad artística.

Para esta nueva aventura, grabada en los estudios sevillanos Sputnik, el violagambista Fahmi Alqhai ha contado con improvisadores del mundo de la música histórica del talento del guitarrista Enrique Solinís, el percusionista Pedro Estevan, el clavecinista Alberto Martínez Molina o los también sevillanos Rami Alqhai, Miguel Rincón y Javier Núñez.

El nuevo CD, coproducido por Alqhai&Alqhai y el prestigioso sello Glossa, será lanzado simultáneamente en treinta países coicidiendo con la nueva gira de Accademia del Piacere en el mes de mayo, en la que llevará el programa del disco al ciclo Originalklang del Konzerthaus de Viena (donde compartirá un selecto cartel con Gardiner, Herreweghe e Il Giardino Armonico), a De Bijloke de Gante, en Bélgica, y a uno de los festivales de música histórica de más solera del continente, las Jornadas de Música Antigua de Ratisbona, en Alemania.

Accademia del Piacere continúa además girando su Las idas y las vueltas, Giraldillo a la Mejor Música de la Bienal de Flamenco 2012, con próximas citas junto al cantaor Arcángel en el Festival Internacional de Úbeda, la Fundación Gulbenkian de Lisboa, el Festival de la Guitarra de Córdoba y el de Música Antigua de Málaga, entre otros.

Para más información: Juan Ramón Lara
Tfnos.: (+34)954905590 – (+34)625725612 – Email: alqhai.jr@gmail.com

NOTAS sobre el programa

El primer objetivo y único fin de este programa y de esta colección de piezas españolas que se han reunido bajo el título de Fantasías, diferencias y glosas, no es la mera interpretación que se hace regularmente de ellas hoy en día, bajo el tenue amparo y la ciega bendición de la llamada interpretaciones históricas, muy diluidas en las formas y faltas, cada vez más, de contenido y de autenticidad.

En esta ocasión el grupo Accademia del Piacere irá mucho más allá: se pretende recuperar en todos los estadios la práctica habitual de los músicos-instrumentistas del siglo XVI y XVII.

Cualquier música es una excusa para desarrollar todas las posibilidades de comentario, paráfrasis y glosa del material original compuesto por otros músicos y en muchos casos creados para sólo este objetivo.

Es muy bien sabido por todos los músicos y musicólogos de nuestros días que las prácticas habituales de interpretación instrumental en los siglos pretéritos no pasaba sólo por la lectura llana de la música escrita por sus creadores, sino por la adaptación de ésta al intérprete o a una instrumentación diferente para la que fue creada (como sucedía con la mayoría de la música que nos ha llegado para vihuela u órgano).

En la mayoría de los casos esta adaptación conlleva una nueva lectura del texto original y la transformación de las piezas, agregando o reduciendo voces, glosas, instrumentación o la mera utilización de motivos característicos como base para la improvisación o la creación de nuevos contrapuntos.

Accademia del Piacere busca en este programa la recuperación de la práctica instrumental, en este caso hispana, y de la lectura musical de los siglos XVI y XVII, alejándose de la somera interpretación de las fantasías, diferencias y glosas que ya fueron creadas en dicha época como ejemplo de una praxis y centrándose en la pura creación e interpretación según los verdaderos criterios historicistas.

El auténtico objetivo y fin de los músicos en todas las épocas.
—
Fahmi Alqhai. Košice, abril de 2009

Konzerthaus de Viena (Austria), donde Accademia del Piacere presentará su CD Rediscovering Spain: Fantasías, diferencias y glosas el próximo 16 de mayo

Mas información en alqhai.com
Facebook Accademia del Piaccere

Agenda de próximos conciertos de Accademia del Piacere y Fahmi Alqhai

2013

4 de mayo: Festival Internacional de Música y Danza de Úbeda. Accademia del Piacere + Arcángel. Las idas y las vueltas
12 de mayo de 2013: Fundación Gulbenkian de Lisboa (Portugal). Programa I: Les violes du Ciel et de l’Enfer. Programa II: Accademia del Piacere + Arcángel. Las idas y las vueltas
15 de mayo: Accademia en De Bijloke, Gante (Bélgica). Programa: Fantasías, diferencias y glosas
16 de mayo: Konzerthaus de Viena (Austria). Programa: Fantasías, diferencias y glosas.
18 de mayo: Ratisbona (Alemania). Programa: Fantasías, diferencias y glosas.
10 de julio: Málaga, Festival de Música Antigua. Programa: Las idas y las vueltas.
11 de julio: Córdoba, Festival de la Guitarra. Programa: Las idas y las vueltas.
19, 20 y 21 de julio: Festival de Música Antigua de los Pirineos. Programa: Fantasías, diferencias y glosas.
2 de agosto Schwäbisch Gmünd (Alemania): Programa: Las idas y las vueltas
4 agosto: Kyburg (Suiza) (Wintherthur). Programa: Las idas y las vueltas
7 agosto: Brujas (Bélgica). Programa: Las idas y las vueltas

Una de sus facetas menos conocidas es la de músico e inventor de instrumentos.

Sobre lo primero, parece ser que sabía improvisar canciones con la lira de braccio, y que además dominaba el laúd y el órgano.

No es de extrañar, pues la música es una ciencia exacta, y para un perfil técnico tan brillante como el de Leonardo comprender la estructura de las escalas debió ser un juego de niños.

Sin embargo, lo realmente notable es que aparte de interpretar música en los instrumentos existentes en su época, se dedicó a aplicar su ingenio para concebir otros nuevos, aunque no se sabe si los llegó a construir.

Su ideario musical partía del movimiento:

“El movimiento es el principio de toda vida. Todo es movimiento, y sin el movimiento la vida cesaría”.

De esta manera, diseña instrumentos basados en la geometría y las matemáticas, generalmente introduciendo la idea de movimiento.

Una de sus creaciones más famosas (dentro de lo poco conocidos que son sus instrumentos) es la denominada Viola Organista: un proyecto de instrumento de tecla que reprodujese el sonido de un grupo de violas.

Existen hasta treinta dibujos parciales del ingenio, aunque no se ha conservado ningún esquema completo.

Constituía un instrumento portátil y ligero, basado en un mecanismo de ruedas recubiertas de crines de caballo que pueden hacer vibrar simultáneamente varias cuerdas accionadas por un teclado.

Otra invención de Da Vinci es el Órgano de Papel (órgani de carta), que aparece descrito en el Códice Madrid II de la Biblioteca Nacional de España.

Supone una evolución del organetto florentín, aquel instrumento portátil del siglo XIV, aportándole ligereza y operatividad, dado que  consta de un fuelle de doble acción con dos cuerpos adosados, de forma que mientras uno se está vaciando al presionar para hacer sonar los tubos, el otro se llena por la misma operación, resultando un movimiento de ida y vuelta comparable al del arco del violín que hace mucho más fácil la administración de las “respiraciones”, como explica el musicólogo Luis Delgado.

Tuvo también en su mente un Órgano de Agua que intentaba evocar los sonidos evocadores producidos por una fuente, creando armonías con las distintas caídas del agua.

En el ámbito de la percusión, destacan instrumentos asaz ruidosos, como la Carraca con Puerta Corredera, la Carraca Mecánica de Lengüetas o la Carraca con Manga. Instrumentos estrepitosos por naturaleza a los que intentó dotar de la capacidad para crear acordes y tonalidades.

Describió igualmente un tambor con tres pies, un tambor flauta y un tambor carraca, en todo caso buscando diversificar, mediante el ingenio, el sonido monocorde de la percusión, aportando un sin fin de posibilidades musicales.